Larissa Warneck的“描述Albrecht d rer的绘画哲学和实践，以及他的绘画在多大程度上反映了当时人们对自然的看法”

介绍

阿尔布雷希特·德·勒是文艺复兴时期的主要艺术家之一。他在几何和人体比例方面的创新思想，对自然的现实表现，以及探索新印刷技术的想象力，使他被誉为北欧的列奥纳多·达·芬奇。在这篇文章中，我将从不同的角度来描述d雷尔的哲学和绘画实践，并将他的艺术作品融入当时对自然的理解。

场景设置

当时，人们所知道的世界正在迅速变化——新的大陆被发现，探险队带着从未见过的奇异物品返回，越来越多的人在迁徙——艺术被用作发泄这种新形成的不确定性的媒介，为混乱带来秩序。因此，文艺复兴是这样一个时期，一方面，它仍然以古典古代的特征为基础，同时，它被发现新大陆的冲击所打乱(凯勒，1972,11;Sleigh, 2016, 1).随着新技术的发展，社会正在迅速适应新的哲学概念和思想，关于自然及其在宇宙中的地位的传统观点突然受到质疑(Eichberger, 1998,13 -14)。

当代艺术家，如阿尔布雷希特·丹雷、列奥纳多·达·芬奇或康拉德·格斯纳试图将这一时期的变化融入他们的艺术中，这是一种经历了巨大变化的艺术。新的绘画方式从以前的“优雅优美的哥特式风格，以端庄美丽的人物为特征”和“富含珍贵的纯金装饰”，转向充满“激情，痛苦，情感和充满生命”的场景(Tonelli, 2013, 68)。这种“视觉革命”是通过一种新的表现技术的兴起而形成的，包括透视、比例和对自然的模仿(Kemp, 2006, 4)。15世纪初，意大利北部出现了一种“对可见世界几乎有系统的探索”，并在14世纪90年代末由阿尔布雷希特·德·勒(Albrecht drer)访问威尼斯和博洛尼亚后，被他带到德国(Eichberger, 1998, 15)。他在16世纪早期的大量艺术作品表明了他对自然主义研究的兴趣。

作者的自然视觉化方法

德·勒相信，大自然是上帝的创造，是艺术的源泉。他体现了一种信念，即艺术家应该准确地描绘他们所看到的，以使他们的作品尽可能令人信服:“你的作品中的形式越精确地与生活相适应，它就会越好。这是事实。因此，永远不要想象你可以或应该尝试创造比上帝允许他创造的本性更好的东西。因为与上帝的创造力相比，你的能力是无能为力的”(dr . rer in Ashcroft, 2012, 386)。

德·勒自己16世纪早期的照片无可挑剔地代表了他的观点。通过对细节几乎微观的观察，他创作了许多动物和植物的彩色绘画和水彩画，他主要从生活中学习(Eichberger, 1998,37;Panofsky, 1955, 80)。一幅这样的画是小兔子,1502.他分三个阶段再现了他“对自然的绝对忠诚”——在画完动物的轮廓后，他会给动物的身体上色，为了表现动物的皮毛，他会把每一根头发都画在彩色粉刷机上，产生一种真正皮毛的错觉(Berger, 1994,82 /86)。

另一幅d勒著名的自然描绘是一幅水彩画，画的是一片不引人注目的、相当平凡的草地大草坪(1503)。它从一个小动物的角度展示了一片混合的花草(Doyle, 2013, 14)。虽然当时还没有显微镜，但d雷尔的这幅画看起来就像是他在显微镜的镜头下检查了每一片草的叶子，因此甚至可以识别出不同种类的植物——草、蒲公英、罂粟花和车前草。这是一个全新的尝试，“以前从来没有人敢画一块草皮这么不起眼的东西”(Berger, 1994,76)。

在自然主义表现的背景下，将d雷尔的作品与其他当代艺术家的作品进行比较是很有趣的。意大利艺术家列奥纳多·达·芬奇(Leonardo Da Vinci)与彼得·雷尔(der rer)一样，追求一种被普遍接受和执行的艺术，“一种基于对自然哲学所有相关方面的深刻理解，构建自然中所有形式的表现形式的艺术”(Kemp, 2000,14)。然而，他们诠释这种艺术表现的方式却走向了完全不同的方向。当比较 rer’s时大草坪达·芬奇的伯利恒之星(1510)，艺术家对自然世界相似主题的不同解释变得清晰起来。正如上面所解释的那样，d rer对每一片草叶都进行了细致的个性化处理，从而赋予了他的草地一个独特的、独特的、不可模仿的特征。而达芬奇则利用了植物的一般原理和特征，因此它的表现形式可以转移到该物种的所有其他植物上(Kemp, 2006, 178-179)。这是围绕着d雷尔描绘自然的一个核心问题——插画家应该展示他正在观察的特定标本，还是应该呈现“许多标本的综合，以这种方式来代表原型形式”，就像达·芬奇描绘的那样伯利恒之星(肯普，2002,744页)?

darel感叹道，大自然的多样性如此之大，以至于每一件试图描绘同一自然物体的艺术作品总是与原作有一点不同，“对于我们所有的作品，没有一个是真正完全相同的”(darel in Ashcroft, 2012, 384)。这也可以用另一种方式来理解，即他自己作为一个艺术家，永远无法准确地再现他在大自然中看到的东西，因此，他告诉他的读者要尽自己最大的努力，“仔细观察它，以它为指导，不要脱离自然”(d rer in Ashcroft, 2012, 386)。他对大自然的迷恋如此之深，以至于有一次他乘船旅行了好几天，只是为了检查和画一条鲸鱼的尸体，这条鲸鱼被冲上了荷兰泽兰的海岸(Berger, 1994,13;Eichberger, 1998,27)。dichberger对自然的大量研究——动物、风景、植物——可以被看作是试图整理和理解他所看到的，协调宇宙，最重要的是“反映上帝赋予的秩序”(Eichberger, Zika, 1998,5 -6)。他的宗教信仰和他对自然的信仰的结合可以在他的各种宗教绘画和素描中找到。

诗人的宗教与自然

他认为“上帝赋予了艺术家非常特殊的创造力”，因此艺术家的责任是接近大自然，“上帝自己的创造杰作”，而不是冒险离开它。艺术家要用他独特的力量以最好的方式描绘自然(Eichberger, 1998,27)。因此，他经常把他对自然的研究包含在常见的基督教图像中。虽然这不是动物第一次出现在传统的宗教绘画中，但这是它们第一次看起来很真实。

即使在中世纪，动物也出现在艺术作品中。在那个时候，人们通常给每只动物一个象征意义——“上帝的羔羊;或者狮子、牛和鹰代表了三位福音传道者”(Sleigh, 2016, 2)。因此，当d雷尔在他的宗教画中插入动物时，许多人认为他也赋予了它们象征意义。这是否正确尚不清楚，但在他的艺术作品中反复出现的特定动物使人们相信它们确实体现了某种形式的象征主义(Eichberger, 1998,30)。特别是外来的、新发现的物种的出现有些令人费解。要么，d rer“渴望将新获得的知识和新观察融入到他的照片中”，要么，他想要留下一些解释的空间(Eichberger, 1998,31)。最有可能的是两者兼而有之。这一点可以通过观察另一幅德勒的画作来证明。

画家的画麦当娜和许多动物(1503)表明了他希望展示尽可能多的不同物种的愿望，也为象征主义留下了很多空间。狐狸笑了。

画的底部象征着邪恶和狡猾，但当他被锁住时，他并没有伤害-相反，他的举止是顺从的。因此，观者从这幅画中感受到某种和谐，“所有的动物现在都和平共处在一个让人回想起人类堕落之前的生活的环境中……人类与自然和谐相处，因为圣母和圣婴的形象在众多动物中似乎在动荡和变化的时代提供了精神上的场所”(Eichberger, 1998,37)。这幅画不仅表达了自身的和谐，还揭示了文艺复兴时期的核心愿望——在一个发展、扩张、成就和变革的时代，对一致性和秩序的渴望。

另一幅充满象征主义色彩的画是德·勒的版画麦当娜与猴子(1498)。在这种情况下，猴子不仅可以被视为艺术家对外来物种的兴趣的象征，而且可以被解释为“淫亵和罪恶的象征”(Eichberger, 1998,30)。

画家在收藏中的地位

新的国家和大陆的发现带来了收藏的潮流。渴望捕捉不断增长的知识，并将其组织和组织起来，这在几个方面使当时的艺术家受益。许多标本太脆弱，无法长途运输，而另一些标本则太珍贵。因此，在某种程度上，艺术家的工作是制作一幅“可以代替标本用于描述和识别”的图像(Sleigh, 2016, 3)。如上所述，d雷尔使用的技术对观众来说是如此有说服力，以至于他感到“标本的直接体验，不再需要咨询”(Kemp, 2002, 744)。一个全新的运动发展起来了，在这个运动中，人们购买了雷尔的自然主义绘画，以弥补收藏中缺乏“真实的东西”——物体或标本。

他自己收藏的所谓的Naturalia和Artefacta——稀有植物、矿物和珍奇动物的标本，以及一系列人造物品——进一步证明了他对自然的痴迷(Eichberger, 1998,18 -19)。这些物品大多是“以一种近乎仪式性的礼物交换方式接受的”，在这种交换中，人们会赠送一幅版画或一幅画，以启动一件物品的交换。这也意味着他很快就与非常有影响力的人建立了密切的联系。随着雷尔的社会地位的提高，他的收藏也越来越多，在16世纪20年代中期，他购买了一件作品Meerk一个tzlein——一只小猴子。到那时，他研究这一种已经有二十年了，甚至在他的日记里也见过麦当娜与猴子(Eichberger, 1998,27 -30)。

然而，这种新的收藏狂潮带来了一定的危险(Kemp, 2002, 744)。drecer的绘画大多是用“实物”作为模型，但有时他对新奇标本的兴趣胜过了他，他会仅仅根据书面或视觉证据创作一件艺术品。因此，当他在1515年听说葡萄牙印度总督将一只活生生的犀牛作为礼物送给里斯本的国王时，一位目击者给他寄了一份详细的笔记和一幅画给纽伦堡，他立即开始工作(Eichberger, 199816)。由此产生的图像具有犀牛的大致轮廓和基本特征，但其外观看起来更像是穿着金属镀甲-“他不知道犀牛的物理外观被他的想象所弥补”(Bartram, 2011)。

由于欧洲已经有一千多年没见过活犀牛了——国王的标本在保存它的船沉没后，就再也没有到达它的最终目的地——教皇那里——因此，d雷尔的版画像野火一样传遍了欧洲。这是可能的，由于木刻印刷技术。4000到5000份犀牛(1515)是在他有生之年制作的(BBC, 2011)。不幸的是，这也意味着，无论谁看到了雷尔的指纹犀牛他认为这正是动物的样子，说明了视觉表现的核心问题，“一幅画的可靠性取决于它的生产和分销网络”(Sleigh, 2016, 4)。

代表“真实的东西”-视角和比例

尽管如上所述，即使是最优秀的艺术家也会犯这样的错误，但德··雷尔却是一个有同情心的人

能力和决心。13岁时，他通过观察镜子中的自己，画了一幅银尖自画像。随后在1492年、1498年和1500年又出现了自画像(Ashcroft, 2012, 377)。他的第一幅自画像是保存最久的欧洲艺术家的自画像(Doyle, 2013, 5)Konterfei，意思是“相似”或“完全相似”(Berger, 1994,12)。这再次证明了他的信念，即尽可能真实地描绘自然世界。

drecer确信，实现这一点的关键——自然之美及其真实表现——在于几何的数学公式(Kemp, 2006, 174)。1500年左右，在他第一次访问意大利后不久，德·雷尔开始质疑他以前的作品。他现在认为他们是“强大但不健全的”，受意大利同时代人的影响，他开始研究文艺复兴艺术理论的主要方面——人体比例，动物比例和透视(Panofsky, 1955, 80)。

帕诺夫斯基给出了三个理由来解释为什么透视法会受到如此普遍的欢迎。首先，将一个物体放置在画面的任何地方，并产生一定的距离和位置点，象征着一个时代的特征，在这个时代，“自身与古典过去之间的历史距离”赋予了“人类在宇宙中心的位置”。其次，视角“满足了对精确性和可预测性的新渴望”。第三，数学公式的应用符合文艺复兴时期的美学(Panofsky, 1955, 261)。拉图尔在这一理论之上指出，视角是一种虚构的形式，“即使是大自然中最狂野或最神圣的东西——甚至是最卑微的东西——也有一个聚会的地方，一个共同的地方，因为它们都受益于相同的‘光学一致性’。”你不仅可以取代城市、风景或当地人，沿着空间的道路往返于他们之间，还可以到达圣徒、神、天堂、宫殿或梦想”(Latour, 1990,28)。几何的经度和纬度使观者产生站在画作中间的感觉。这也意味着观察者不再脱离绘画，而是成为它的一部分——艺术家成为视觉图像的操纵者，能够与观众“玩感知游戏”(Scribner, 1998,104)。在几何学上的成就，测量说明;是第一个用科学的答案来处理表征问题的文献。他指出透视并不是局限于建筑和绘画的技术学科，而是数学的重要组成部分(Panofsky, 1955, 253)。

像透视法一样，比例也有一个潜在的数学方法。在一幅画中，透视对于房间来说是什么，比例对于人或动物的身体来说也是什么。帕诺夫斯基(Panofsky, 1955, 262)试图为比例建立几何解释，将身体的每个部分合并为几何形式:“身体的总长度和总轴线由基本的垂直线决定[…]骨盆被描述为梯形，胸部呈方形[…]头部，如果在侧面转动，则呈方形，肩膀、臀部和腰部的轮廓由圆弧决定。”他很快意识到他不能把这个模型应用到每个人身上，并放弃了他绘画中的几何曲线，他说“人体的边界线不能用尺子的指南针画出来”(d rer in Panofsky, 1955, 264)。相反，drecer决定考虑一系列女性和男性的身体类型，并将其组合在他的作品中四本关于人体比例的书(死后1528年出版)。

达芬奇对他的影响很大。但是，后者关注的是被观察物体下面的底层结构——肌肉、骨骼和肌腱，而d雷尔更感兴趣的是表征给定物体的外部(Eichberger, 1998,15)。这可以追溯到对他来说非常重要的两个相互作用的点。首先，他认为美是艺术的主要特征之一，因为艺术是自然的表现，而自然是上帝的产物——“地球上没有一个活着的人能确切地说出最美丽的人类形态是什么样子。”除了上帝没有人知道”(dr . rer in Ashcroft, 2012, 381)。其次，由于他的主要精力放在年轻艺术家的教育上，他认为观察一个物体的外表下的东西没有意义。对他来说，几何是美和教育的一部分，他告诫年轻的读者要坚持功能，因为“人身上没有功能的东西就不美。”避免多余”(dr . rer in Ashcroft, 2012, 381)。

虽然作品的重要性，如关于人体比例的四本书今天可能被忽视或遗忘，在文艺复兴时期，印刷媒体彻底改变了图书出版的世界(凯勒，1972,13)。然而，印刷机只允许加工书面作品，复制绘画或图纸需要时间和耐心(Sleigh, 2016,7)。最常见的形式是木材或金属雕刻。其中大部分很容易磨损，不允许大量的阴影或细节。此外，木刻印刷的过程“是一种双反”，这意味着原始图像必须反向雕刻在木头上，然后以正确的方式印刷在纸上(Sleigh, 2016, 7)。d雷尔开发了非凡的铜雕刻和印刷技术-“它允许熟练的艺术家雕刻精美的细线或线条和标记的无限变化。”因此，可以产生令人惊叹的阴影效果，闪闪发光，甚至运动，就像动物的皮毛一样”(Meyer, 2004)。

结论

我已经展示过阿尔布雷希特·德·雷尔是文艺复兴时期最伟大的艺术家之一。他的作品不仅体现了文艺复兴时期的比例和透视理论，而且还尽可能逼真地描绘了自然场景——植物、动物和风景。他的雕刻、素描和绘画技巧在欧洲闻名，他对人体描绘的几何研究意味着他是该领域的先驱。频繁往返于意大利的旅行确保了意大利文艺复兴运动在北欧的传播，而drecer则是它的信使。

《拉丽莎·沃内克》(2016)

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图片

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• 达·芬奇，伯利恒之星(1510)。(网上)https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/10/Leonardo_da_vinci,_Star_of_Bethlehem_and_other_plants.jpg